IL COMBATTIMENTO DI TANCREDI E CLORINDA - Ópera de Claudio Monteverdi

Ficha Artística

Dirección musical

Fausto Nardi

Dirección de escena y dramaturgia

Joan Anton Rechi

Diseño de vestuario

Mercè Paloma

Diseño de iluminación

Alberto Rodríguez

Cantantes

Soprano:

Mezzosoprano:

Tenor:

Tenor:

Orquesta Barroca de Sevilla

Ignacio Ramal, José Manuel Navarro, violines

Raquel Batalloso, viola

Mercedes Ruiz, violonchelo

Ventura Rico, contrabajo

Alejandro Casal, clave

Miguel Rincón, tiorba

Programa

COMBATTIMENTO

Amor y luchas en los madrigales de Monteverdi

Tempro la cetra (Libro  VII, 1619) 2)

Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (Madrigali guerrieri e amorosi, Libro VIII, 1638)

Lamento della Ninfa (Madrigali guerrieri e amorosi, Libro VIII, 1638)

Chiome d’oro (Libro VII, 1619)

Zefiro torna (Libro IX, 1651)

Damigella tutta bella (Scherzi musicali, 1607)

Interrotte speranze (Libro VII, 1619)

Ohimè dov’è il mio ben (Libro VII, 1619)

Se i languidi miei sguardi (Libro VII, 1619)

Lidia spina del mio core (Scherzi Musicali, 1607)

Lamento d’Arianna (L’Arianna, 1608)

Et è pur dunque vero (Scherzi Musicali, 1632)

Ohimè, ch’io cado (1624)

Si dolce è il tormento (1624)

Pur ti miro (L’Incoronazione di Poppea, 1642)

Notas

Amor y luchas en los Madrigales de Monteverdi

En el ring de la vida somos cautivos del gran combate de las emociones. Claudio Monteverdi, que hace 400 años descubrió al mundo la potencia del teatro lírico musical, se adentra en ellas para enfrentar la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, el amor y su trágica pérdida. A partir de Il combattimento di Tancredi e Clorinda, cuya modernidad seguirá inalterada cuando en 2024 cumpla 4 siglos de su estreno en Venecia, el director de escena Joan Anton Rechi nos propone un combate de boxeo en el que personajes enmascarados como deportistas de lucha libre vestidos con galas medievales, libran el combate de la vida cantado en bellísimos madrigales.

Modernísima puesta en escena para una música que sigue resonando igual de nueva. Combattimento, dirigida musicalmente por Fausto Nardi, cuenta con un equipo de cuatro cantantes especializados en el canto de Monteverdi que nos enseñan que las grandes emociones en liza siguen siendo las de ayer, las de hoy y las de siempre.

Monteverdi, el precursor

Al finalizar el siglo XVI, un grupo de intelectuales reunidos en la Camerata de Bardi va asentar en Florencia las bases teóricas y estéticas del renacimiento del teatro dramático-musical en Europa. Lo que se pretendía era resucitar la tragedia griega. Sin restar ni un ápice de valor a las primeras obras escritas por los compositores activos en Florencia en el círculo de la Camerata, Claudio Monteverdi fue el compositor que logró crear las primeras y verdaderas obras maestras basadas en las nuevas técnicas. La contribución fundamental de los intelectuales florentinos fue el desarrollo de la idea del recitar cantando con el consiguiente abandono de la tiranía del contrapunto a cuatro o cinco voces a favor de la monodía acompañada por un bajo continuo de forma que se hiciera comprensible tanto el texto como la acción durante la ejecución.

Monteverdi siguió siendo un destacado polifonista, pero incluso su capacidad de disfrutar con el nuevo estilo unida al desarrollo de la seconda prattica, la del estilo agitado, le permitió articular las obras usando formas y estilos diversos y dinamitar las bases para todos aquellos lugares de la ópera que se pondrán en duda tan sólo 200 años después de la reforma de Gluck y Ranieri de Calzabigi y, más tarde, de Richard Wagner. El recitativo acompañado, el seco, el airoso, las arias, los duetos, los finales, los ritornelli, las formas estróficas y los da capo son algunas de las formas internas de la ópera que Monteverdi concibió y desarrolló gracias a su sensibilidad en el uso de la lengua, la métrica y la retórica.

Con la publicación del séptimo y, aún más, con la del octavo libro de madrigales, Monteverdi dio a luz dos recopilatorios fundamentales para el desarrollo del estilo recitativo y representativo al concebir madrigales con una sola voz o con dos o tres voces pensados ​​para facilitar la comunicación de efectos dramatúrgicos. La “Advertencia al lector” que Monteverdi incluye en el prefacio del octavo libro para describir el estilo agitado de su seconda pratica fue una explicación que tuvo un enorme eco entre los eruditos de su tiempo.

Il Combattimento di Tancredi y Clorinda, Il Lamento de Arianna, La lettera Amorosa e Il lamento della Ninfa son arias, lamentos o madrigales representativos que, pasadas unas décadas, acabaron siendo también célebres como obras desarrolladas en forma de concierto, pero que nacieron para ser puestas en escena.

Fausto Nardi, dirección musical

Amor y luchas en los madrigales de Monteverdi

“Fa che ritorni il mio amor como es puro fu, o tú me ancidio, ch'io non mi tormente più”...

“Haz que vuelva mi amor, como antaño, o déjame morir por no sufrir más”...

Lamento della Ninfa

Claudio Monteverdi revolucionó la música con su particular modo de entender cómo ésta debía expresar las líneas emocionales del texto. Un concepto muy moderno en su tiempo y que hace que sus obras nos sigan atrayendo y tengan la misma fuerza que tuvieron en su estreno.

Con esta misma fuerza nos llega Il Combattimento di Tancredi e Clorinda: Un caballero en férrea batalla con su enemigo consigue herirle de muerte para descubrir que en realidad se trataba de su amada. Un combate que termina en tragedia y que nos permite reflexionar sobre la naturaleza del amor, sobre la pérdida y sobre las relaciones entendidas como luchas... Como combates. Una búsqueda desesperada del amor que al encontrarlo se transforma en confrontación. Temas que son una constante en los diversos madrigales del genial compositor. Pequeñas joyas que nos hablan de las relaciones, de los misterios del amor, del intentar seducir, enamorar e imponerse al otro, intentar superarlo, vencerlo, perderlo... Para descubrir que no podemos vivir con esa ausencia.

Un combate medieval, un combate de boxeo, un combate de emociones.

Joan Antón Rechi, dirección escénica

Textos

Biografía

JOAN ANTÓN RECHI, director de escena

Nacido en el Principado de Andorra. Estudió interpretación en el Instituto del Teatro de Barcelona y también historia antigua en la Universitat de Barcelona. Como director se inició primero en el teatro. Después de unos años da el salto a la dirección operística.

Su recorrido profesional como director en este campo empieza en el 2003 con Orphée aux enfers de Offenbach y hasta ahora ha abarcado todo tipo de repertorios, dirigiendo desde ópera buffa (Il Barbiere di Siviglia, La Cenerentola, L’Elisir d’Amore, Così Fan Tutte, La Italiana in Algeri), opera seria (Adriana Lecouvreur, Krol Roger, Werther, Un ballo in maschera, Cavallería Rusticana, Pagliacci, Salome, Midsummer Night’s Dream, Madama Butterfly, Ariadne Auf Naxos), opera barroca (Combattimento, The Fairy Queen), opereta (Die Csardasfürstin), Zarzuela (De lo Humano y lo Divino) o incluso musical (Man of La Mancha, Into the Woods, Love Life, Sweeney Todd), trabajando en algunos de los teatro más importantes del mundo en ciudades como Madrid, Barcelona, Bogotá, Bilbao, Londres, Düsseldorf, Duisburg, Mainz, Basel, Paris, Freiburg, Aachen, Omán, San Lorenzo del Escorial, Oviedo, Oslo, Peralada, Lisboa, San Francisco, Boston, Buenos Aires, Viena, Venecia o San Sebastián.

En el 2021 fue el director encargado de abrir la temporada en el Teatro La Fenice de Venecia con una nueva producción de Fidelio de Beethoven. La misma temporada volvió a Venecia para dirigir Faust de Gounod.  Sus últimos trabajos incluyen Fidelio de Beethoven en Bari, Company de S. Sondheim en Freiburg, Ariadne auf Naxos de Strauss en Ratisbona y Bogotá, Cavallería Rusticana de Mascagni y Aleko de Rachmaninov en Tel Aviv, Israel, Adriana Lecouvreur de Cilea en Málaga, Madama Butterfly de G. Puccini en la Deutsche Oper am Rhein de Dusseldorf-Duisburg y en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, La zorrita astuta de Janacek en Chemnitz y Lady Macbeth de Mzensk de D. Shostakóvich en Detmold.

Es el creador y director artístico del Festival CLASSICAND en el principado de Andorra.

FAUSTO NARDI, director musical

Nacido en Florencia, Fausto Nardi estudió piano, composición y dirección de orquesta en el Conservatorio de Florencia y en la Academia de Música Hanns Eisler de Berlín.

En la temporada 2005/2006, Fausto Nardi fue director asistente de Claudio Abbado, participando en varios proyectos, incluyendo giras con la Orquesta del Festival de Lucerna y la grabación de La Flauta Mágica de Mozart con la Orquesta de Cámara Mahler. De 2005 a 2013, Fausto Nardi trabajó como director asistente en el Teatro del Liceu de Barcelona.

Tras el extraordinario éxito de su interpretación de Rinaldo en el Händel Festspiele de Karlsruhe (2010), fue invitado por la Ópera de Dortmund para dirigir L’Eliogabalo de Cavalli (2011) y L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi (2012).

En los últimos años, Fausto Nardi ha sido director invitado habitual en el Festival Castell de Peralada, España. En 2019 dirigió una aclamada nueva producción de La Bohème en la Junge Oper Schloss Weikersheim con la Jove Orquestra Nacional de Catalunya. Nardi ha dirigido, entre otras, a la Filarmónica de Dortmund, la Orquesta Konzerthaus de Berlín, la Sinfónica de Berlín, la Filarmónica de Cámara de Sopot, la Orquesta de Cámara de Kransnoyarsk, la Filarmónica de Oviedo, la Orquesta de Cámara Fiorentina y los Solistas del Maggio Musicale Fiorentino.

Francisco Fernández-Rueda

Considerado por la crítica especializada como un cantante versátil, de hermoso timbre y gran presencia escénica, la carrera de este tenor, licenciado en Filología francesa por la Universidad de Sevilla, recibirá un impulso definitivo tras su participación en la V edición de la prestigiosa academia Jardin des Voix, dirigida por el director americano William Christie.

Durante presente temporada Francisco Fernández-Rueda cantará el papel de Orfeo en L’Orfeo de Monteverdi en el Birgitta Opera Festival de Tallin (Estonia). Destacar también su presencia en el Teatre Principal de Palma para interpretar la Messe Solennelle de Gounod, una nueva colaboración junto al Ensemble Matheus y Jean- Christophe Spinosi en Paris y Lyon interpretando la Krönungsmesse de Mozart o su vuelta al Festival Monteverdi de Cremona para interpretar Il ritorno d’Ulisse in patria bajo la batuta de Michele Pasotti y dirección escénica de Davide Livermore. Su futura agenda incluye también recitales junto a dos reputados intérpretes como el pianista Giulio Zappa o el tiorbista Daniel Zapico.

Invitado regularmente como solista, Francisco Fernández-Rueda ha cantado bajo la dirección de prestigiosos Maestros como Sir John Eliot Gardiner, Ivan Fischer, Fabio Luisi, William Christie, Ottavio Dantone, Jordi Savall, Fabio Biondi, Gianluca Capuano, Enrico Onofri, Federico Maria Sardelli, Jean Christophe Spinosi, Aarón Zapico, Alexis Kossenko, Raphaël Pichon o Andrés Salado, en importantes escenarios y festivales de Europa y EEUU como el Salzburger Festspiele, Berliner Philharmonie, Edimburgh Festival, l’Opéra Comique o Philharmonie de Paris, Teatro La Fenice de Venecia, Teatro Massimo de Palermo, Teatr Wielki de Varsovia, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Gran Teatre del Liceu, Palau de la Música Catalana, Brooklyn Academy of Music y Licoln Center de New York, Harris Theater de Chicago o el Kennedy Center de Washington.

Su repertorio abarca desde el Barroco hasta el siglo XX. Entre sus roles operísticos destacan: Don Ottavio (Don Giovanni de Mozart), Ferrando (Così fan tutte de Mozart), Tamino (Die Zauberflöte), Tito (La clemenza di Tito) Nemorino (L’elisir d’amore de Donizetti), Paolino (Il Matrimonio Segreto de Cimarosa), Bajazet (Tamerlano de Haendel), Rinaldo (Armida de Haydn), Orfeo (L’Orfeo de Monteverdi), o Ulisse (Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi), entre otros.

En el terreno del oratorio ha cantado Die Schöpfung de Haydn, Requiem y Krönungsmesse de Mozart, Novena Sinfonía de Beethoven, la Matthäus & Johannes- Passion, Weihnachtsoratorium y H-moll-Messe de Bach, Messiah de Haendel, Magnificat de C.P.E.Bach, o Catulli Carmina de Orff.

El género de la canción despierta un relevante lugar en la carrera de este artista. Destacan sus interpretaciones de los ciclos de Schubert como Winterreise o Die schöne Müllerin, aunque también programas dedicados a la música inglesa (Vaughan Williams) o música española (Joquín Turina o Manuel García).

Ha grabado L’Orfeo e Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi junto a Sir John Eliot Gardiner y los English Baroque Soloists, Atys de Lully junto a Les Arts Florissants y William Christie, Rinaldo de Haendel junto a Fabio Luisi y la Scintilla Orchestra, Arias de concierto de Mozart junto a Cristofori Orchestra y Arthur Schoonderwoerd, Ifigenia in Tauride de Traetta junto a Lautten Compagney Berlin yWolfgang Katschner, La Sete di Christo de Pasquini junto a Concerto Romano y Alessandro Quarta, L’Épreuve Villageoise de Grétry junto a Opera Lafayette Orchestra y Ryan Brown, o Tonos Humanos del Manuscrito Guerra junto al arpista Manuel Vilas. Ha grabado para las radios France Musique, BBC, BR Klassik, SWR, RAI, Mercury, Catalunya Música o RNE.

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

La Orquesta Barroca de Sevilla, con sus casi 30 años de trayectoria, se sitúa incuestionablemente en el primer nivel de las agrupaciones españolas que se dedican a la interpretación de la música antigua con criterios historicistas. La orquesta ha tenido el honor de ser dirigida por las principales figuras internacionales, algunas de talla mítica, entre las que cabe destacar a Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Sigiswald Kuijken, Jordi Savall, Rinaldo Alessandrini, Monica Huggett, Harry Christophers, Giovanni Antonini, Alfredo Bernardini, Diego Fasolis, Enrico Onofri e Ivor Bolton, entre otros muchos intérpretes. Además de la intensa actividad que desarrolla en Sevilla a través de su Temporada de Conciertos, se presenta en los más importantes escenarios españoles (Auditorio Nacional de Música, Teatro Real, Teatro Arriaga, Teatro de la Maestranza…) y europeos (Alte Oper Frankfurt, Thüringer Bachwochen y Brühler Haydn Festival en Alemania; Festival ‘Musiques des Lumières’ de Sorèze, Salle Gaveau de París y Festival Baroque de Pontoise en Francia, y otros en Italia, Suiza…, por citar algunos). La Orquesta Barroca de Sevilla posee una amplia discografía con los sellos Harmonia Mundi, Lindoro, Almaviva y, más recientemente, Passacaille, además de en su propio sello, OBS-Prometeo, dedicado a la recuperación de patrimonio musical andaluz. Sus grabaciones han recibido distinciones como el Editor´s Choice de la revista Gramophone, Excepcional de Scherzo, Ritmo Parade, Recomendable de Cd Compact y AudioClásica, 5 estrellas Goldberg, Melómano de Oro… En el año 2011 le fue concedido el Premio Nacional de Música, otorgado por el Ministerio de Cultura de España. Asimismo, ha obtenido el Premio Manuel de Falla 2010, el Premio FestClásica 2011 y una Distinción Honorífica del Ayuntamiento de Sevilla. La OBS cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Sevilla, así como la colaboración de otras instituciones como la Junta de Andalucía y la Universidad de Sevilla.

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