LES ENFANTS TERRIBLES - Ópera de Philip Glass

Ficha Artística

LES ENFANTS TERRIBLES, de Philip Glass

Producción del Festival de Ópera de Sevilla

Dirección de escena

Susana Gómez

Escenografía

Juan Ruesga

Coreografía

Vestuario

Nino Bautí

Florencia Oz

Dirección musical

Juan García Rodríguez

Reparto

Clara Barbier, soprano

Lydia Vinyes-Curtis, mezzosoprano

Samy Camps, tenor

Dietrich Henschel, barítono

Bailarinas

Florencia e Isidora Oz

Pianos

Óscar Martín, Patricia Arauzo y Julio Moguer

Programa

LES ENFANTS TERRIBLES

Ópera-ballet para tres pianos, solistas y bailarines

Música de Philip Glass y libreto del propio Philip Glass y Susan Marshall a partir de la obra teatral de Jean Cocteau

Producción del Festival de Ópera de Sevilla

1: Ouverture

2: Paul est mourant

3: Une boule de neige

4: Deux moitiés dans un même corps

5: Il n’a pas dit au revoir

6: Le somnambule

7: Elle m’a giflé

8a: Ils vivaient leur rêve

8b: Et puis laisser

9: Appelez-moi Elisabeth

11a: Modèle entrecroisé

11b: Terrible Interlude

12: Le Verdict

13: Interlude Musicale – le Retour chez Orphée

14: Cocon de châles

15:  Perdu

16: Il écrivit son propre nom

17: Es-tu amoureuse, Agathe?

18: De la part de Dargelos

19: Elle prit la route

20: La fin de Paul

Notas

Argumento

Tras la muerte de su madre, Elizabeth y Paul, hermanos huérfanos, abandonados a su suerte y unidos por un afecto exclusivo, viven juntos en su amplio apartamento parisino.

Han construido un universo quimérico regido por símbolos sibilinos. Su habitación es un auténtico santuario donde se entroniza un "tesoro" con un significado que solo ellos conocen. Elizabeth conoció a Michael y se casó con él, pero al día siguiente él falleció en un accidente sin que se hubiera consumado el matrimonio. Heredó la fortuna de Michael, incluyendo una gran mansión privada donde Paul se reunió con ella con su famoso tesoro. Gérard, camarada de Paul y su amiga Agathe, que se parece extrañamente a Dargelos (un colegial al que Paul idolatraba), pronto se mudaron con ellos. Pero cuando Elizabeth comprende que el amor nace entre su hermano y Agatha, como una divinidad griega, una especie de Parca, teje una red maquiavélica para que su hermano no pueda escapar.

Paul desafía a Dargelos y éste le arroja una bola de nieve que alcanza el pecho de Paul, el tiempo se detiene y «la habitación» cobra vida. Se convierte en su isla desierta, el pequeño pedazo de tierra aislado del resto del mundo donde Elizabeth y Paul construían cabañas con sus almohadas y vivían como Robinsones por la noche. Sus cuerpos crecen, las piernas de Paul sobresalen bajo las sábanas, juegan a tener los deseos de los adultos; pero, en realidad, nada se mueve. Si se mueven, es para reconstruir la habitación inmediatamente. Tras sus incesantes disputas, su constante agitación, se esconde un morboso deseo de inmovilidad.

Fue Dargelos, el dios oculto de esta tragedia, quien precipitó su desenlace al enviarle una bola negra envenenada a Paul, quien completó la obra de la primera bola de nieve. Elizabeth, sacerdotisa de la cámara, es solo un instrumento del destino. Al suicidarse y matar a su hermano, lleva su adolescencia a la eternidad.

Ritmos para un  caos doméstico

Les enfants terribles de Philip Glass nos sumerge en el mundo de la infancia. Pero no de cualquier infancia, ya que es la infancia vista por Jean Cocteau: es por lo tanto, fantasioso y se inclina fuertemente hacia el surrealismo. Después de Orfeo y La Bella y la Bestia, Philip Glass cierra su trilogía operística dedicada al polifacético artista francés abordando un trabajo más íntimo que no es, esta vez, la relectura de un mito. O de un cuento muy conocido. Publicado en 1929, el libro está inspirado en la infancia de dos amigos del poeta, Jean y Jeanne Bourgoint, y da testimonio de la convicción de Cocteau sobre el poder de la imaginación para transformar la realidad.

La historia se desarrolla principalmente entre las cuatro paredes del dormitorio de un niño, el del joven Paul. Paul fue víctima de una broma de mal gusto: el abusador de su escuela (una de esas magníficas bestias que fascinaron a Cocteau) le lanzó una bola de nieve en la que había escondido una piedra. Paul recibió un golpe en el pecho y se desmayó. Cuando despierta, está paralizado y tiene que quedarse en cama. A esta desgracia pronto se añade otra: su madre, enferma desde hacía mucho tiempo, muere. Sin embargo, más que una prisión, la habitación se convierte en un teatro permanente donde se reúne con su hermana Elisabeth. El hermano y la hermana se reencuentran solos en el mundo. Un mundo que rechazan y rechazan desde fuera, prefiriendo encerrarse en él. Otra realidad, la suya, que inventan con total libertad. Sin embargo, con el tiempo y a medida que estos niños terribles entran en la edad adulta, esta libertad se pervierte. Hasta el punto de la tragedia: los juegos infantiles siembran destrucción y muerte. Después de mezclar ópera y cine en Orfeo y La Bella y la Bestia, Philip Glass se vuelve hacia el ballet, con la ayuda de la coreógrafa Susan Marshall. Esta elección explica sin duda la energía y los contrastes dinámicos y rítmicos, a veces sorprendentes en un delicado equilibrio entre frescura e ironía, entre humor y tragedia, entre lo lúdico y el deseo. El tema mismo del libro también le da a Philip Glass la oportunidad de hacer añicos en un caos indescifrable el orden habitualmente tan controlado de su escritura.

Andrés Moreno Mengíbar

Los niños terribles, la novela de Jean Cocteau (escrita en 1929 y posteriormente llevada al cine) constituye la base de la tercera entrega de la trilogía de obras de música y teatro que comenzó con Orfeo y continuó con La Bella y la Bestia. En las dos obras anteriores el cine y la ópera se combinaron para crear una forma híbrida. Para Los niños terribles imaginé algo diferente. Invité a la coreógrafa estadounidense Susan Marshall a ayudar a adaptar y dirigir una obra de danza/ópera basada en la novela, en la que cantantes y bailarines compartirían protagonismo.

Si Orfeo es la historia de trascendencia de Cocteau y La Bella y la Bestia su romance, Los niños terribles es su tragedia. Al igual que las demás, articula la creencia de Cocteau en el poder de la imaginación para transformar el mundo cotidiano en un mundo mágico. Pero a diferencia de las dos obras anteriores, en las que la transformación conduce al amor y la trascendencia, Los niños terribles nos transporta al mundo de Narciso y, finalmente, de la Muerte. De ahí la tragedia y el poder de la pieza: una bola de nieve se convierte en una bola de veneno. Dargelos se convierte en Agathe. Una «Habitación» (normalmente un lugar de imaginación y creatividad para Cocteau) se transforma en un espacio que se niega celosamente a dejar crecer a sus «Niños». Un «Juego» inofensivo se convierte en una lucha feroz que termina en destrucción.

El mundo natural está representado por la nieve, que cae implacablemente a lo largo de la ópera y (al igual que los espectadores) observa en silencio, presenciando el desarrollo de los acontecimientos. Aquí, el tiempo se detiene. Solo hay música y el movimiento de los niños por el espacio.

Philip Glass

Cuando Philip y yo empezamos a hablar sobre la forma que adoptaría esta danza/ópera, me di cuenta de que no quería dirigir una ópera convencional en la que la danza desempeñara su papel tradicional de divertimento, secundario a la acción principal. Tampoco quería crear una coreografía que representara la historia de forma literal, pues el poder de la danza reside en su misterio. Sin embargo, la historia de Cocteau es el corazón de la obra; ¿cómo podía comunicarla al público de forma que pudiera seguirla?

El reto principal ha sido encontrar ese delicado equilibrio (¡tan Cocteau!) entre claridad y misterio. Gran parte del proceso de creación de esta pieza ha consistido en encontrar equilibrios: entre cantantes y bailarines; simplicidad y densidad; humor y tragedia; melodrama y drama. Quizás así sea, ya que Los niños terribles está llena de imágenes marcadamente contrastantes y está poblada por personajes que se debaten entre deseos fuertemente opuestos. Además del reto que plantea la naturaleza particular de esta ópera, llevo a este proceso otro reto, uno personal, perenne y elusivo: dejar que un poco de caos se apodere de mi obra. Cocteau escribió en su diario sobre la propia escritura de la obra. De la misma manera, esta danza/ópera parece haber tomado el control. Y siento que es correcto apartarme, dejar que la obra me guíe; es la mejor manera de escuchar la voz de Cocteau.

Susan Marshall

Textos

Biografía

SUSANA GÓMEZ, directora de escena

En su Oviedo natal estudió piano en el Conservatorio Superior y finalizó los estudios de Filología. Se especializó en teatro físico y dirección de escena en Alemania, Gran Bretaña, Rusia y Argentina. Obtuvo un MA en Theatre Directing en Middlesex University de Londres.

Entre los más de 20 espectáculos de teatro lírico que ha dirigido destacan Hamlet, Pelléas y Mélisande, Don Giovanni, La Traviata, Norma, Turandot, Manon Lescaut, Salome, El dúo de La Africana, Un ballo in maschera y Marina. Ha dirigido también numerosas obras de teatro musical entre las que se encuentran Salón Kraus: Últimos días de la humanidad, Brundibar, Odisea negra, Jardín secreto, Winterreise Schubert/Zender, El payaso y la estrella y Eolo and Friends.

Sus espectáculos se han presentado en el Teatro Real (Madrid), Gran Teatro del Liceu (Barcelona), Teatro Colón (Buenos Aires), Teatro de la Zarzuela (Madrid), Ópera de Oviedo, Teatro de la Abadía (Madrid), Auditorio Nacional, Festival Internacional Castell de Peralada y Ópera de Lima (Perú), entre otros.

Es autora de numerosas adaptaciones de zarzuelas, libretos y textos teatrales.

Desde 2014 ha sido directora asociada en varios espectáculos de La Fura dels Baus con Àlex Ollé. La versión de Turandot que dirigió junto con Franc Aleu ganó el Premio Ópera XXI a la Mejor Nueva Producción de 2019.

JUAN GARCÍA RODRÍGUEZ, director musical

Nacido en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), realiza estudios musicales en el Conservatorio Superior de Sevilla (Títulos Superiores de Piano y Música de Cámara; profesores: Ana Guijarro, José María Redondo y Juan Rodríguez Romero. Premios de Honor en Música de Cámara y Armonía y Mención de Honor en Piano), en la Universidad “Mozarteum” de Salzburgo (Masters en Dirección de Orquesta -Dennis Russell Davies y Jorge Rotter-, Dirección de Coro –Karl Kamper- y Composición –Christian Ofenbauer y Reinhard Febel) y en la Universidad “F. Chopin” de Varsovia (Doctor en Dirección de Orquesta, 2017). Masterclasses, entre otros, con Ramón Coll y Joseph Paratore (piano), Reiner Schmidt (música de cámara), Neil Thompson y Arturo Tamayo (dirección de orquesta) y Cristóbal Halffter, Franco Donatoni, Luciano Berio, Mauricio Kagel, George Crumb y Beat Furrer (composición).

Catedrático del Conservatorio Superior “Manuel Castillo” y Académico Numerario de la Real Academia de Bellas Artes “Santa Isabel de Hungría” de Sevilla. Director de la OSC y director y fundador del Zahir Ensemble. Asimismo, director musical del Taschenoper Festival de Salzburgo (2005-2017).

Como director, ha trabajado entre otras con la Brucknerorchester-Linz, Mozarteum Orchester Salzburg, Orquesta de la Ópera de París, ROSS, Filarmónica de Gran Canaria, Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken, OENM (Österreichisches Ensemble für Neue Musik), Filarmónica de Cámara Witold Lutoslawski (Lomza, Polonia), Sax Ensemble, etc., en salas y teatros como el Teatro Villamarta de Jerez, Teatro de la Maestranza (Sevilla), Teatro Central de Sevilla, Auditorio 400 del Museo Reina Sofía (Madrid), Círculo de Bellas Artes (Madrid), Teatros del Canal (Madrid), Fundación Juan March (Madrid), Opéra National de Paris Bastille, Gran Sala del Mozarteum (Salzburgo), Solitär Saal del Mozarteum (Salzburgo), Brucknersaal (Linz), Cemal Resit Rey (Estambul), Gran Sala de la Universidad F. Chopin (Varsovia), Endler Hall de la Universidad de Stellenbosch (Sudáfrica), etc.

Grabaciones para Haas, Sello Autor, Verso, Canticum, Naxos e IBS Classical.

JUAN RUESGA, escenógrafo

Arquitecto, diseñador, profesor y académico. Sus campos de actividad son la Arquitectura, el Diseño Escenográfico y la Arquitectura Teatral, en los que ha desarrollado una significativa labor teórica y de análisis, a través de la docencia, conferencias, ponencias y artículos, en numerosas Universidades e instituciones. 68 escenografías y 52 edificios e instalaciones teatrales avalan su trayectoria como arquitecto y creador de artes escénicas. Cursó la carrera de Arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla. Colegiado en el Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla. Su actividad docente abarca fundamentalmente el campo del análisis urbano y del diseño teatral y de los equipamientos culturales. Ha sido profesor del Máster de Artes del Espectáculo Vivo de la Universidad de Sevilla, del Máster de Estudios Avanzados de Teatro de la Universidad Internacional de la Rioja y del Máster Universitario en Estudios sobre Danza de la Universidad Internacional de la Rioja.

Ha ocupado diversos cargos como: Director del Centro Andaluz de Teatro. Consejería de Cultura. Junta de Andalucía, Asesor de la Junta de Andalucía para el Programa de Rehabilitación de Teatros Públicos, Subdirector del Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Como arquitecto ha diseñado: Pabellón de Andalucía en Expo 92, Rehabilitación del Teatro Isabel la Católica de Granada, Rehabilitación del Teatro Enrique de la Cuadra de Utrera, Instalación del Festival de Danza en el Conjunto Arqueológico de Itálica, Teatro Municipal de Dos Hermanas, Teatro Municipal de Los Palacios y Villafranca, Teatro Salvador Távora, Sevilla, Teatro de TNT-Atalaya,, Sevilla, Teatro Municipal de Las Cabezas de San Juan, Diseño de Prototipo de Espacios Escénicos de Innovación y Sostenibilidad para el Ministerio de Cultura.

Es autor de las escenografías de: Yerma de G. Lorca y Julio César de W. Shakespeare para el C.A.T.; Fuenteovejuna de Lope de Vega para el Centro Dramático de Évora; Ariadna para Centro Andaluz de Teatro y Atalaya; Maria Estuardo de Schiller para La Fundición de Sevilla y Teatro de la Estación de Zaragoza; Metáfora, espectáculo de Rubén Olmo, para el Ballet Flamenco de Andalucía;  Llanto, basado en el Llanto a Ignacio Sánchez Mejías de F. García Lorca, para el Ballet Flamenco de Andalucía; Las ranas de Aristófanes, dirigida por Juan Dolores Caballero, Hiperbólicas Producciones. y Festival de Teatro Clásico de Mérida.

FLORENCIA OZ, coreógrafa y bailarina

Comienza sus estudios en la Facultad de Danza de la Universidad de Chile y simultáneamente participa activamente tanto de escuelas como de eventos vinculados al mundo del flamenco desde los 16 años de edad.

En 2007 se instala en Sevilla y continúa su formación vinculada a la Academia de Flamenco Manuel Betanzos donde estudia bajo la tutela de maestros  como Andrés Peña, Adela y Rafael Campallo.

En 2011 es premiada en el XII certamen de Baile Joven recibiendo una beca anual en la Fundación de arte flamenco Christina Heeren, lo que le permite tomar contacto con Milagros Mengíbar y Javier Barón, entre otras figuras del baile.

Entre el 2013 y 2016  pasa a integrar el elenco del  Ballet Flamenco de Andalucía. Bajo  la dirección de Rafaela Carrasco, actúa regularmente con el  cuerpo de baile y eventualmente como solista en tres importantes montajes: En la memoria del cante (1922), Imágenes (galardonado con el Giraldillo al mejor elenco de baile en la XVIII edición de la Bienal de Sevilla) y Tierra Lorca. Cancionero popular.

En 2015 participa en diversos festivales y concursos recibiendo diferentes  premios, siendo el más destacado  el primer premio de baile por alegrías La Perla de Cádiz.

En 2018 Colabora con la cantaora Encarna Anillo en su espectáculo En las puertas de Gades dentro del marco del Festival de Jerez.

En mayo del 2019 presenta su primer recital en el Teatro Távora de Sevilla dentro del III ciclo La vida en Flamenco.

En junio del 2019 se presenta al 28 Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco  con su pieza original Galerna, la cual obtiene el primer premio de coreografía para solo. Además obtiene el  primer  premio a la música original para danza y el premio Flamenco Vivo Carlota Santana New York para llevar y producir una coreografía propia en esa ciudad.

Imparte con alguna regularidad cursos en diversos países como Ecuador, Rusia, Polonia, Israel, Alemania, Francia y Chile.

Actualmente, integra la compañía de David Coria con el espectáculo El Encuentro” y Anónimo. Además, participa en  la compañía de Rafaela Carrasco con el espectáculo Nacida sombra, galardonado con el premio de la crítica en la XXII edición del festival de Jerez.

También integra el elenco de Lorca y la pasión. Un mar de sueños, de Marina Heredia, bajo la dirección coreográfica de Eva Yerbabuena, y como activa bailaora en Madrid y Sevilla especialmente.

CLARA BARBIER, soprano

La soprano francesa Clara Barbier Serrano ha sido “Jeunes Talents” de la Académie Jaroussky y acaba de terminar un Diploma de Artista en música contemporánea en el Conservatorio de París. Se graduó del Royal College of Music International Opera Studio en 2022, donde recibió la primera beca Andrea Bocelli Foundation – Community Jameel. Completó su licenciatura en interpretación vocal en la Hochschule für Musik de Leipzig.

Sus papeles de ópera incluyen Taumännchen (Oper Leipzig, RCM Opera Studio), Papagena (Verbier Festival Academy), Rodelinda (RCM), Queen of the Night (RCM, Oxford Opera Company), Controller (RCM), Olympia (Théâtre du Passage, Neuchâtel), Autonoe (Opéra de Montpellier) y La Petite Sirène (óperas de Niza, Marsella,Aviñón, ARCAL).

Su pasión por la canción de concierto le llevó a realizar numerosos recitales en salas como el festival Life Victoria de Barcelona, ​​Oxford Lieder, Britten Pears Festival, Schumannhaus Leipzig, Peter de Grote Festival, Bloomsbury Festival, London Song Festival.

Clara también compartió escenario con Andrea Bocelli en varios eventos, incluidas actuaciones en el Teatro Regio de Parma, el Teatro del Silenzio y el Sferisterio de Macerata.

Nacida en Montpellier, Clara tocaba el violín y estudió teoría musical e idiomas antes de especializarse en canto. Ha sido premiada en el Concurso de Béziers y en el Concurso de Gordes, en el Concurso Internacional de Dúos de Lied, en el Concurso Lies Askonas, así como en el Certamen Nuevas Voces de ASAO (2024). Con su compañera de dúo, la pianista Joanna Kacperek, fue Oxford Lieder Young Artist, recibió el Premio Liedinnovation 2023, el Premio Jean Meikle para Dúo en el Concurso de Canciones de Wigmore y el segundo premio en el Concurso internacional Hugo Wolf (2024).

LYDIA VINYES-CURTIS, mezzosoprano

Nacida en Barcelona, finaliza con la más alta cualificación la carrera de violín en el Conservatorio Superior del Liceo y estudia canto lírico con el maestro Jorge Sirena. Se especializa en Música Antigua en el Conservatoire National de Toulouse y en la Schola Cantorum Basiliensis. Como violinista barroca, ha colaborado en formaciones de prestigio tales como l’Ensemble Baroque de Limoges y Al Ayre Español.

Gana el concurso de la BACHWOCHE en el marco de la Bachakademie Stuttgart 2013; convirtiéndose desde entonces en una de las altos solistas habituales de Helmuth Rilling para interpretar las Pasiones, Cantatas, Misas y Oratorio de Navidad de J. S. Bach de gira por lugares emblemáticos como la Thomaskirche de Leipzig, el Auditorio Tchaikovsky de Moscú y el City Hall de Hong-Kong. Cantando este mismo repertorio la solicita también el maestro Sigiswald Kuijken de gira por Japón y en el Concertgebouw de Amsterdam. También es la solista habitual en la producción de todas las cantatas de J.S.Bach bajo la batuta de Kay Johannsen en Stuttgart.

Debuta con la Orquesta Nacional de España invitada por Josep Pons a cantar L’Atlantida de Manuel de Falla. La ONE la solicita de nuevo para un Requiem de Mozart con Giovanni Antonini. Interpreta a Goffredo en Rinaldo de G.F.Händel durante el Festival Via Stellae, dirigido por el arpista Manuel Vilas, con quien también forma un dúo y ha grabado un disco de Tonos Humanos del S.XVII español para el sello discográfico NAXOS.

En el LICEU debuta exitosamente como Ascanio en Benvenuto Cellini de H. Berlioz bajo la batuta de Josep Pons y la dirección escénica de Terry Gilliam; es Emilia en el Otello de G. Rossini junto a Gregory Kunde y Jessica Pratt, dirigidos por Christopher Franklin y Annio de la Clemenza di Tito bajo la dirección de Philippe Auguin y la escena de David McVicar. el Théâtre des Champs Élysées  de París la descubre siendo Zulma en L’Italiana in Algeri de G. Rossini bajo la dirección de Jean-Claude Malgoire. Debuta en teatros importantes españoles como el Teatro Campoamor de Oviedo siendo Siebel en Fausto de Ch. Gounod, el Teatro de la Zarzuela cantando Cofieta en Iphigenia en Tracia de José de Nebra, en el Auditorio Nacional de Madrid junto a la ONE en la versión concierto de Elektra de R. Strauss bajo la dirección de David Afkham, y canta también L’Atlantida de Manuel de Falla bajo la batuta de Josep Pons y el Requiem de Mozart dirigida por Giovanni Antonini. En el Teatro Real interpreta el rol de Eduige en la nueva producción de Claus Guth de Rodelinda de G. F. Händel dirigida por el maestro Ivor Bolton y canta en el Festival de Savonlinna I Puritani siendo Enrichetta de Francia.

Recientemente ha grabado para el sello discográfico Harmonia Mundi, el rol de Pepa de la Goyescas de E. Granados, dirigida por Josep Pons y junto a la BBC Symphony Orchestra.

Canta junto a Plácido Domingo Thaïs de J.Massenet en el Teatro Real e inaugura la temporada del Liceu 2018-2019 cantando en la producción de I Puritani y L’Italiana in Algeri. Kazushi Ono la invita a cantar la 9ª Sinfonía de Beethoven junto a la OBC, después de su exitosa prestación un año antes en la misma obra bajo la dirección de G. Dudamel.

Sus compromisos recientes y futuros incluyen: Códice de las Huelgas con Jordi Savall, estreno de la obra Cállate de Francesc Prat (Òpera de Butxaca i Nova Creació) en el Teatre del Liceu, la Misa en Si menor de Bach en el Palau de la Música Catalana, Cantatas y Oratorio de Navidad en Stuttgart con Kay Johannsen, Don Gil de Alcalá en el Teatro de La Zarzuela (2022), Sfogava con le Stelle en el Festival de Peralada (2022), Alexina B. en el Teatre del Liceu (2023) y Die Passagierin el Teatro Real (2024).

SAMY CAMPS, tenor

Nominado a las Victoires de la Musique Classique en la categoría Revelación Lírica en 2015, residente de la Fundación Royaumont y de la Academia del Festival de Aix-en-Provence en 2013, el tenor Samy Camps se unió al CNSMD en Lyon en la clase de Françoise Pollet después de estudiar musicología y escritura. Estudió en clases magistrales con artistas de renombre como Teresa Berganza, François Le Roux, Udo Reinemann y Ruben Lifschitz.

Cómodo en los papeles de jóvenes protagonistas, interpreta a Romeo en la recreación de Romeo und Julie de Benda en el Centro Lírico de Clermont-Auvergne, así como a Romeo de Gounod en concierto en la Ópera de Rennes, a Alfredo en La Traviata con Opéras en Plein Air y la Fabrique Opéra Val-de-Loire y a Piquillo en La Périchole (Odéon de Marseille). Dirigido habitualmente por directores de teatro, aborda Rinuccio en Gianni Schicchi con la Co(Opéra)tive en una decena de escenarios nacionales y teatros de ópera (Dijon, Quimper, Dunkerque, Saint-Nazaire) dirigidos por Benoît Lambert.

Apasionado del repertorio francés, colabora desde 2016 con el Palazzetto Bru-Zane y el director Pierre-André Weitz, primero en la reposición de Los Caballeros de la Mesa Redonda (Roland) de Hervé en el Théâtre de l'Athénée, luego de 2017 a 2019 en la creación y gira de Mam'zelle Nitouche (Champlâtreux) junto a Olivier Py, en numerosos teatros: Toulon, Nantes, Montpellier, Avignon, Lausana, Limoges, Théâtre Marigny. El espectáculo fue grabado en vídeo por Arte Concert y editado en CD por Editions du Palazzetto.

Más recientemente, se sumergió en el papel de Don José en la Ópera de Rouen y el Théâtre des Champs Elysées (2019), en una versión que involucra al público joven: Carmen, una estrella del Circo. Regresa al papel de Alfredo en el Festival Eva Ganizate en la producción de Daniel Slater, así como en la Fabrique-Opéra Val-de-Loire ante más de 12.000 espectadores. También es tenor solista de la 9ª Sinfonía de Beethoven en la Folle Journée de Nantes, ambas bajo la dirección de Pascal Rophé (Orquesta de los Países del Loira) y en una versión francesa interpretada al piano por Etsuko Hirose, cuyo disco fue editado por el sello Mirare.

Aborda el repertorio de la opereta vienesa con el papel de Strauss Jr. en Valses de Viena, así como de Camille en La viuda alegre, primero en 2020 en la Ópera de Aviñón y más recientemente en la Ópera de Niza en la producción de Benoît Bénichou.

La temporada 2022/2023 está marcada por su debut en la Ópera Nacional de París en Il Trovatore (Ruiz) así como su papel de Macduff en Macbeth en la Ópera de Saint-Etienne. También es Guy Florès en el Auberge du Cheval Blanc de la Ópera de Marsella.

Para la temporada 2023/2024, Samy debuta como Pelléas (Pelléas et Mélisande de Debussy) en la Ópera Nacional de Estonia en una producción de Albert-André Lheureux, y regresa al papel de Orfeo en la Ópera de Lausana en Orphée aux Enfers de Offenbach en una producción de Olivier Py, antes de cantar el papel principal en Paganini de Lehàr en el Odéon de Marsella. Regresará a la Ópera de París para cantar a Rodríguez en el Don Quijote de Massenet antes de participar en Las Vísperas Sicilianas de Verdi en el Festival de Aix-en-Provence en el papel de Danieli.

DIETRICH HENSCHEL, barítono

El barítono Dietrich Henschel es conocido como invitado habitual en los principales teatros de ópera, un reconocido intérprete de canto y oratorio, y creador y protagonista de una amplia gama de proyectos multimedia. Su repertorio abarca desde Monteverdi hasta la vanguardia.

Henschel comenzó su carrera internacional con una coproducción entre la Ópera de Lyon y el Théâtre du Châtelet de París, en el papel principal de la ópera de Busoni, Doktor Faust, por la que ganó el Premio GRAMMY a la Mejor Grabación de Ópera.

Entre los papeles principales del cantante se incluyen Fígaro de Rossini, Wolfram en Tannhäuser de Wagner, Ulises y Orfeo de Monteverdi, Don Giovanni de Mozart, Wozzek y Dr. Schön en Lulú de Alban Berg, Golaud en Pelléas et Mélisande de Debussy y Nick Shadow en El progreso del libertino de Stravinsky. La ópera contemporánea también ocupa un lugar destacado en el repertorio de Henschel; numerosos grandes compositores como Pèter Éötvös, Detlev Glanert, Manfred Trojahn, Peter Ruzicka o Chaja Czernowin le confiaron importantes papeles en los estrenos de sus obras.

En conciertos orquestales, Henschel colabora habitualmente con directores como Sylvain Cambreling, Kazushi Ono, Cornelius Meister y Vladimir Jurowski. Grabaciones con John Eliot Gardiner, Philippe Herreweghe, Nikolaus Harnoncourt y Sir Colin Davis documentan su obra en el oratorio. Ha interpretado versiones escénicas de ciclos de canciones de Schubert en La Monnaie, el Theater an der Wien, la Ópera Noruega de Oslo y la Ópera Cómica de Berlín, entre otros.

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